Ce jour dans l'histoire : 21/10/1959 - Ouverture du Guggenheim

Ce jour dans l'histoire : 21/10/1959 - Ouverture du Guggenheim

Dans ce clip vidéo "This Day in History", découvrez différents événements qui se sont produits le 21 octobre. Certains des événements incluent le lancement de l'USS Constitution et Thomas Edison créant la première ampoule fonctionnelle. En outre, un ancien président philippin est arrêté et le musée Guggenheim ouvre ses portes.


Aujourd'hui dans l'histoire – 28 octobre

Nous sommes aujourd'hui le mercredi 28 octobre, le 301e jour de 2009. Il reste 64 jours dans l'année.

Le point culminant d'aujourd'hui dans l'histoire

Le 28 octobre 1886, la Statue de la Liberté, cadeau du peuple français, a été inaugurée dans le port de New York par le président Grover Cleveland.

A cette date

En 1636, la Cour générale du Massachusetts a adopté un acte législatif établissant le Harvard College.

En 1776, la bataille de White Plains a eu lieu pendant la guerre d'indépendance, entraînant une victoire britannique limitée.

En 1793, Eli Whitney a déposé une demande de brevet pour le gin de coton.

En 1858, Rowland Hussey Macy ouvre son premier magasin new-yorkais sur la Sixième Avenue et la 14e Rue à Manhattan.

En 1871, après des mois de recherche, l'expert britannique Sir Henry Morton Stanley trouva l'explorateur et missionnaire écossais David Livingstone dans une partie reculée de l'Afrique. Il l'a salué avec les mots devenus légendaires : “Dr. Livingstone, je présume ? Livingstone avait été envoyé en Afrique en tant que médecin et missionnaire en 1841. Il est devenu le premier Européen à traverser la partie sud de l'Afrique et, en 1855, il a découvert les chutes Victoria. Il mourut sur la Ruhr en 1873 alors qu'il cherchait la source du Nil.

En 1914, le Dr Jonas Edward Salk, le chercheur médical américain qui a développé le premier vaccin contre la polio, est né.

En 1918, la République de Tchécoslovaquie proclame son indépendance.

En 1919, le Congrès a promulgué la Volstead Act, qui prévoyait l'application de la prohibition, contre le veto du président Woodrow Wilson.

En 1922, le fascisme est arrivé en Italie lorsque Benito Mussolini a pris le contrôle du gouvernement.

En 1936, le président Franklin D. Roosevelt a consacré à nouveau la Statue de la Liberté à l'occasion de son 50e anniversaire.

En 1940, l'Italie envahit la Grèce pendant la Seconde Guerre mondiale.

En 1958, le patriarche catholique romain de Venise, Angelo Giuseppe Roncalli, est élu pape et prend le nom de Jean XXIII.

En 1962, le dirigeant soviétique Nikita Khrouchtchev a informé les États-Unis qu'il avait ordonné le démantèlement des bases de missiles à Cuba.

En 1965, le pape Paul VI a publié un décret absolvant les Juifs de la culpabilité collective pour la crucifixion de Jésus-Christ.

En 1976, l'ancien assistant de Nixon, John D. Ehrlichman, est entré dans un camp de prisonniers fédéraux à Safford, en Arizona, pour commencer à purger sa peine pour des condamnations liées au Watergate.

En 1980, le président Jimmy Carter et le candidat républicain à la présidence Ronald Reagan se sont affrontés lors d'un débat de 90 minutes diffusé à l'échelle nationale à Cleveland. Ronald Reagan a demandé aux électeurs lors du débat : « Êtes-vous mieux lotis qu'il y a quatre ans ? »

En 1999, il y a dix ans, cinq candidats républicains à la présidentielle ont de nouveau débattu de questions telles que l'avortement, les soins de santé et les impôts lors de leur deuxième réunion en moins d'une semaine, le favori George W. Bush était absent du rassemblement dans le New Hampshire.

En 1999, la Chambre a adopté, 218-211, le dernier projet de loi de dépenses de l'année, auquel le président Bill Clinton a déclaré qu'il opposerait son veto.

En 2004, il y a cinq ans, les insurgés ont exécuté 11 soldats irakiens et ont déclaré sur un site Web militant islamique que les combattants irakiens vengeraient le sang des femmes et des enfants tués lors des frappes américaines contre le bastion de la guérilla de Falloujah.

En 2004, les fans des Red Sox de Boston se sont réunis par dizaines de milliers près de l'historique Fenway Park pour célébrer leur équipe championne des World Series, la première de la ville depuis 1918.

En 2005, le principal conseiller du vice-président Dick Cheney, I. Lewis "Scooter" Libby, a démissionné après avoir été inculpé d'entrave à la justice, de parjure et de fausses déclarations dans le cadre de l'enquête sur les fuites de la CIA. (Libby a été reconnu coupable et condamné à 30 mois de prison. Le président George W. Bush a commué sa peine.)

En 2006, l'entraîneur de basket-ball du Temple de la renommée Red Auerbach est décédé à l'âge de 89 ans.

En 2007, la première dame de l'Argentine, Cristina Fernandez, a remporté l'élection présidentielle du pays, devenant ainsi la première femme élue à ce poste.

En 2008, il y a un an, l'ancien maire de Détroit Kwame Kilpatrick a été condamné à quatre mois de prison pour son rôle dans un scandale sexuel et textuel. (Kilpatrick a fini par purger 99 jours.)

Les anniversaires d'aujourd'hui

La chanteuse de jazz Cleo Laine a 82 ans. L'actrice Joan Plowright a 80 ans. L'auteur-compositeur-musicien Charlie Daniels a 73 ans. L'actrice Jane Alexander a 70 ans. Le chanteur Curtis Lee a 68 ans. L'acteur Dennis Franz a 65 ans. Le chanteur pop Wayne Fontana a 64 ans. 61. Le médaillé d'or olympique d'athlétisme Bruce Jenner a 60 ans. L'actrice Annie Potts a 57 ans. Le cofondateur de Microsoft, Bill Gates, a 54 ans. Le président iranien, Mahmoud Ahmadinejad, a 53 ans. Le musicien de rock Stephen Morris (New Order) a 52 ans. Le chanteur-musicien country/gospel Ron Hemby (The Buffalo Club) a 51 ans. Le chanteur-musicien rock William Reid (The Jesus & Mary Chain) a 51 ans. L'acteur Mark Derwin a 49 ans. L'actrice Daphne Zuniga a 47 ans. L'actrice Lauren Holly a 46 ans. L'actrice Jami Gertz a 44 ans. L'acteur Chris Bauer a 43 ans. L'acolyte de "Tonight Show" Andy Richter a 43 ans. L'actrice Julia Roberts a 42 ans. La chanteuse et musicienne country Caitlin Cary a 41 ans. L'acteur Jeremy Davies a 40 ans. Le chanteur Ben Harper a 40 ans. Le chanteur country Brad Paisley a 37 ans. Le joueur à la retraite de la NFL Terrell Davis a 37 ans. L'acteur Joa quin Phoenix a 35 ans. Le chanteur Justin Guarini (“American Idol”) a 31 ans. Le chanteur pop Brett Dennen a 30 ans. Le musicien de rock Dave Tirio (Plain White T’s) a 30 ans.

Anniversaires historiques d'aujourd'hui

Henri III
10/28/1017 – 10/5/1056
Roi du Saint Empire romain et d'Allemagne (1046-56)

Desiderius Erasmus
10/28/1466 – 7/12/1536
érudit néerlandais

Cornélius Otto Jansen
10/28/1585 – 5/6/1638
leader flamand de la réforme catholique romaine

Eliphalet Remington
10/28/1793 – 8/12/1861
Fabricant et inventeur d'armes à feu américain

Georges Auguste Escoffier
10/28/1846 – 2/12/1935
artiste culinaire français

Gilbert H. Grosvenor
10/28/1875 – 2/4/1966
géographe américain président de la National Geographic Society (1920-1954)

Howard Hanson
10/28/1896 – 2/26/1981
compositeur et chef d'orchestre américain

Edith Tête
10/28/1897 – 10/24/1981
créateur de costumes de cinéma américain

Evelyn Waugh
10/28/1903 – 4/10/1966
écrivain anglais

Francis Bacon
10/28/1909 – 4/28/1992
peintre britannique

Dr Jonas Edward Salk
10/28/1914 – 6/23/1995
Un médecin et chercheur américain a développé un vaccin contre la polio

Pensée pour aujourd'hui

« La vérité n'est pas introduite dans l'individu de l'extérieur, mais était en lui tout le temps. » Soren Kierkegaard, philosophe danois (1813-1855).


Les débats Kennedy-Nixon : tour final

Au 21 octobre, 1960, les téléspectateurs américains étaient rivés à leur téléviseur pour la diffusion du quatrième et dernier débat entre le vice-président républicain Richard M. Nixon et le sénateur démocrate John F. Kennedy.

Le tout premier débat télévisé entre les candidats à la présidentielle a eu lieu le 26 septembre 1960. On estime qu'entre soixante et soixante-dix millions de téléspectateurs ont regardé le premier et les débats suivants, connus sous le nom de « Grands Débats ».

On y va encore une fois. Edmund S. Valtman, artiste publié dans : Hartford Times, 12 septembre 1960. Dessins de dessins animés. Division des tirages et des photographies

Le premier débat, diffusé par CBS, était axé sur les questions nationales. Chaque candidat disposait de huit minutes pour une déclaration d'ouverture, suivies de trente minutes de questions et réponses et d'un total combiné de dix minutes pour les déclarations de clôture. Le premier et le dernier débat accordaient deux minutes et demie pour les réponses et une minute et demie pour les commentaires sur les questions adressées à l'adversaire. Le quatrième débat, diffusé par ABC, était axé sur les questions de politique étrangère, en particulier les relations des États-Unis avec Cuba.

Les deuxième et troisième débats d'une heure, télévisés depuis New York par NBC et ABC, respectivement, ont suivi un format plus souple avec un panel de nouvelles interrogeant les candidats sur une variété de sujets. Le deuxième débat n'a eu ni déclarations d'ouverture ni de clôture des candidats. Le troisième débat était le premier véritable "débat électronique", avec les deux candidats face aux côtes opposées Kennedy a parlé depuis un studio de télévision à New York et Nixon de Los Angeles.

Les débats de 1960 ont été comparés aux fameux débats de 1858 de la campagne sénatoriale entre Abraham Lincoln et Stephen Douglas. Cependant, les sept débats Lincoln-Douglas ont eu lieu à l'extérieur dans les villes de plusieurs districts de vote. Chaque débat a duré trois heures - d'abord un candidat a parlé pendant une heure, puis le deuxième candidat a parlé pendant une heure et demie, puis le premier candidat a parlé à nouveau pendant trente minutes supplémentaires. Les débats ont réuni des foules allant de 1 500 à 20 000 personnes.

Le président John F. Kennedy, portrait tête et épaules, face à l'avant. Photographie de l'US Navy, 1961. Division des tirages et des photographies Richard M. Nixon, portrait tête et épaules, de face. Photographie officielle de la Maison Blanche, entre 1969-1974. Division des tirages et des photographies

Au XXe siècle, la radio est devenue le nouveau média politique. Lors de la campagne présidentielle de 1924, les radios diffusent les discours du président sortant Calvin Coolidge, candidat républicain, et de John W. Davis, candidat démocrate. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le président Franklin Delano Roosevelt a retenu l'attention du public américain grâce à son utilisation de ce médium dans ses émissions radiophoniques "conversations au coin du feu".

Une augmentation de l'utilisation de la radio par les politiciens a suscité des arguments sur la liberté par rapport à la responsabilité de l'industrie de la radiodiffusion dans la couverture des événements politiques. Les critiques des partis politiques, du Congrès et de la Commission fédérale des communications ont conduit à une législation dans les domaines de l'égalité du temps d'antenne et de la liberté d'expression.

Lincoln Douglas Debate Du Page County Centennial, 27 août, West Chicago//Kreger. Illinois : Federal Art Proj., WPA, [entre 1936-1939]. Affiches : Affiches WPA. Division des tirages et des photographies

En 1952, les conventions politiques nationales et la campagne présidentielle ont été télévisées pour la première fois dans tout le pays. Le public a suivi avec avidité la couverture télévisée de la campagne et a classé la télévision comme le média le plus informatif. Les retransmissions télévisées des débats de la campagne présidentielle de 1960 répondent à l'engouement du public pour ce type de couverture.

Les sondeurs ont estimé qu'environ 3,4 millions d'électeurs ont déterminé leur choix de parti uniquement sur la base des Grands Débats. Les événements marquants ont propulsé les médias de diffusion dans un rôle central dans la vie politique américaine. La tendance se poursuit malgré les critiques accusant les médias du « merchandising » des candidats, de la hausse des coûts des campagnes politiques et de l'utilisation d'agences de publicité dans la « manipulation de l'image » des candidats.


Contenu

Les deux parents de Guggenheim étaient d'origine juive ashkénaze. Sa mère, Florette Seligman (1870-1937), était membre de la famille Seligman. Lorsqu'elle a eu 21 ans en 1919, Guggenheim a hérité de 2,5 millions de dollars, soit l'équivalent de 37,3 millions de dollars en 2020. Le père de Guggenheim, Benjamin Guggenheim, membre de la famille Guggenheim, est décédé dans le naufrage du Titanesque, n'avait pas amassé la fortune de ses frères et sœurs, donc son héritage était bien inférieur à celui de ses cousins.

Elle a d'abord travaillé comme commis dans une librairie d'avant-garde, le Sunwise Turn, dans le centre-ville de Manhattan, où elle est devenue amoureuse des membres de la communauté artistique bohème. En 1920, elle part vivre à Paris, en France. Une fois là-bas, elle se lie d'amitié avec des écrivains et des artistes d'avant-garde, dont beaucoup vivent dans la pauvreté dans le quartier Montparnasse de la ville. Man Ray l'a photographiée [1] et était, avec Constantin Brâncuși et Marcel Duchamp, un ami dont elle devait finalement promouvoir l'art.

Elle est devenue une amie proche de l'écrivain Natalie Barney et de l'artiste Romaine Brooks et était une habituée du salon de Barney. Elle a rencontré Djuna Barnes pendant cette période et est devenue avec le temps son amie et sa patronne. Barnes a écrit son roman le plus connu, Bois de nuit, tout en restant à la maison de campagne du Devon, Hayford Hall, que Guggenheim avait louée pendant deux étés.

Guggenheim a exhorté Emma Goldman à écrire son autobiographie et a aidé à obtenir des fonds pour qu'elle vive à Saint-Tropez, en France, tout en écrivant ses deux volumes. Vivre ma vie. [2] Guggenheim a écrit sa propre autobiographie intitulée Hors de ce siècle, plus tard révisé et republié comme Confessions d'un accro à l'art [3] qui a été publié en 1946 [4] et est maintenant publié avec Harper Collins. [5]

En janvier 1938, Guggenheim ouvre une galerie d'art moderne à Londres présentant des dessins de Jean Cocteau lors de sa première exposition et commence à collectionner des œuvres d'art. Guggenheim a souvent acheté au moins un objet de chacune de ses expositions à la galerie. [6] Après le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, elle a acheté autant d'art abstrait et surréaliste que possible. [3]

Sa première galerie s'appelait Guggenheim Jeune, le nom ingénieusement choisi pour associer sa galerie à la fois à la quintessence d'une galerie, la française Bernheim-Jeune, et au nom de sa propre famille bien connue. La galerie du 30 Cork Street, à côté de la vitrine du mouvement surréaliste de Roland Penrose et E. L. T. Mesens, a fait ses preuves, grâce à de nombreux amis qui ont donné des conseils et qui ont aidé à faire fonctionner la galerie. Marcel Duchamp, qu'elle connaissait depuis le début des années 1920, lorsqu'elle vivait à Paris avec son premier mari Laurence Vail, avait initié Guggenheim au monde de l'art c'est à travers lui qu'elle rencontra de nombreux artistes lors de ses fréquents séjours à Paris. Il lui a enseigné l'art et les styles contemporains, et il a conçu plusieurs des expositions organisées à Guggenheim Jeune.

L'exposition Cocteau a été suivie d'expositions de Wassily Kandinsky (son premier one-man-show en Angleterre), Yves Tanguy, Wolfgang Paalen et plusieurs autres artistes connus et certains moins connus. Peggy Guggenheim a également organisé des expositions collectives de sculpture et de collage, avec la participation des désormais classiques modernes Antoine Pevsner, Henry Moore, Henri Laurens, Alexander Calder, Raymond Duchamp-Villon, Constantin Brâncuși, John Ferren, Jean Arp, Max Ernst, Pablo Picasso, Georges Braque et Kurt Schwitters. Elle a également beaucoup admiré le travail de John Tunnard (1900-1971) et est créditée de sa découverte dans le modernisme international dominant.

Lorsque Guggenheim s'est rendu compte que sa galerie, bien que bien accueillie, avait fait une perte de 600 £ la première année, elle a décidé de dépenser son argent de manière plus pratique. Un musée d'art contemporain était exactement l'institution qu'elle se voyait soutenir. Très certainement, elle pensait aussi aux aventures à New York de son oncle, Solomon R. Guggenheim, qui, avec l'aide et les encouragements de l'artiste Baroness Hilla von Rebay, avait créé la Fondation Solomon R. Guggenheim deux ans plus tôt. L'objectif principal de cette fondation avait été de collecter et de promouvoir la production d'art abstrait, ce qui a abouti à l'ouverture du musée de la peinture non objective (à partir de 1952 : le musée Solomon R. Guggenheim) plus tôt en 1939 sur la 54e rue Est à Manhattan. Guggenheim fermé Guggenheim Jeune avec une fête d'adieu le 22 juin 1939, au cours de laquelle des portraits en couleurs de Gisèle Freund ont été projetés sur les murs. Elle a commencé à planifier un musée d'art moderne à Londres avec l'historien de l'art et critique d'art anglais Herbert Read. Elle a mis de côté 40 000 $ pour les frais de fonctionnement du musée. Cependant, ces fonds ont rapidement été dépassés par les ambitions des organisateurs.

En août 1939, Guggenheim part à Paris pour négocier des prêts d'œuvres d'art pour la première exposition. Dans ses bagages se trouvait une liste dressée par Herbert Read pour cette occasion. Peu de temps après son départ, la Seconde Guerre mondiale éclate et les événements qui suivent le 1er septembre 1939 la font abandonner, volontairement ou non. Elle a alors "décidé maintenant d'acheter des tableaux de tous les peintres qui figuraient sur la liste d'Herbert Read. Ayant beaucoup de temps et tous les fonds du musée à ma disposition, je me suis mis au régime d'acheter un tableau par jour". [7] Une fois terminé, elle avait acquis 10 Picassos, 40 Ernsts, huit Mirós, quatre Magrittes, quatre Ferrens, trois Man Rays, trois Dalís, un Klee, un Wolfgang Paalen et un Chagall, entre autres. Entre-temps, elle avait également fait de nouveaux plans et en avril 1940 avait loué un grand espace de la place Vendôme comme nouvelle maison pour son musée.

Quelques jours avant que les Allemands n'atteignent Paris, Guggenheim dut abandonner ses projets de musée parisien et s'enfuit dans le sud de la France, d'où, après des mois de sauvegarde de sa collection et de ses amis artistes, elle quitta l'Europe pour New York en été. de 1941. Là, l'année suivante, elle a ouvert une nouvelle galerie - qui était en fait en partie un musée - au 30 West 57th Street. Il s'appelait L'art de ce siècle. Trois des quatre galeries étaient consacrées à l'art cubiste et abstrait, au surréalisme et à l'art cinétique, avec seulement la quatrième, la salle principale, étant une galerie commerciale. Guggenheim a organisé d'autres expositions importantes, telles que l'exposition pour 31 femmes artistes, à la galerie. [8]

Son intérêt pour le nouvel art a contribué à faire avancer la carrière de plusieurs artistes modernes importants, dont les peintres américains Jackson Pollock et William Congdon, le surréaliste autrichien Wolfgang Paalen, la poétesse sonore Ada Verdun Howell et le peintre allemand Max Ernst, qu'elle a épousé en décembre. 1941. [9] Elle avait constitué sa collection en seulement sept ans. [3]

Après la Seconde Guerre mondiale – et son divorce en 1946 avec Max Ernst – elle a fermé la galerie The Art of This Century en 1947 et est retournée en Europe, décidant de vivre à Venise, en Italie. En 1948, elle est invitée à exposer sa collection dans le pavillon grec désaffecté de la Biennale de Venise et s'installe en 1949 au Palazzo Venier dei Leoni (« palais inachevé des lions ») sur le Grand Canal. [3]

Sa collection est devenue l'une des rares collections européennes d'art moderne à promouvoir un nombre important d'œuvres d'Américains. Dans les années 1950, elle a promu l'art de deux peintres locaux, Edmondo Bacci et Tancredi Parmeggiani. Au début des années 1960, Guggenheim avait presque cessé de collectionner de l'art et a commencé à se concentrer sur la présentation de ce qu'elle possédait déjà. Elle a prêté sa collection à des musées en Europe et en 1969 au Solomon R. Guggenheim Museum de New York, qui porte le nom de son oncle.Finalement, elle a décidé de faire don de sa maison et de sa collection à la Fondation Solomon R. Guggenheim, un don qui a été conclu entre vifs en 1976, avant sa mort en 1979.

La Collection Peggy Guggenheim est l'un des musées les plus importants d'Italie pour l'art européen et américain de la première moitié du XXe siècle. Les pièces de sa collection embrassent le cubisme, le surréalisme et l'expressionnisme abstrait. [dix]

Guggenheim a vécu à Venise jusqu'à sa mort à Camposampiero près de Padoue, en Italie, après un accident vasculaire cérébral. Ses cendres sont enterrées dans le jardin (plus tard le Nasher Sculpture Garden) de sa maison, le Palazzo Venier dei Leoni (à l'intérieur de la collection Peggy Guggenheim), à côté de ses chiens. [3]

Selon Guggenheim et son biographe Anton Gill, on croyait que lorsqu'elle vivait en Europe, elle avait "couché avec 1 000 hommes". [11] Elle a prétendu avoir eu des affaires avec de nombreux artistes et écrivains et en retour de nombreux artistes et autres ont revendiqué des affaires avec elle. Lorsque le chef d'orchestre Thomas Schippers lui a demandé combien de maris elle avait, elle a répondu : « Vous voulez dire le mien ou celui d'autres personnes ? » [12] [13] Dans son autobiographie, Peggy fournit les noms de certains de ces amants, dont Yves Tanguy, Roland Penrose et E. L. T. Mesens. [14]

Son premier mariage fut avec Laurence Vail, sculpteur et écrivain dada avec qui elle eut deux enfants, Michael Cedric Sindbad Vail (1923-1986) et Pegeen Vail Guggenheim (1925-1967). Ils divorcent vers 1928 à la suite de sa liaison avec l'écrivain Kay Boyle, qu'il épousera plus tard. Peu de temps après la dissolution de son premier mariage, elle a eu une liaison avec John Ferrar Holms, un écrivain en difficulté qui avait été un héros de guerre. [3] [15] En commençant en décembre de 1939, elle et Samuel Beckett ont eu une affaire brève mais intense et il l'a encouragée à se tourner exclusivement vers l'art moderne. [3] Elle a épousé son second mari, le peintre Max Ernst, en 1941 et a divorcé en 1946. [9] Parmi ses huit petits-enfants figure Karole Vail, qui a été nommée directrice de la Collection Peggy Guggenheim en 2017. [16]


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Le 4 octobre 1957, l'ère spatiale a commencé lorsque l'Union soviétique a lancé Spoutnik, le premier satellite artificiel, en orbite.

Le lancement réussi de Spoutnik 1 était une réalisation technologique passionnante, qui a fait craindre au public que les Soviétiques puissent lancer des armes nucléaires via un missile balistique et frapper les États-Unis. Les autorités américaines ont décidé qu'il était temps de renforcer les capacités technologiques du pays et ont formé l'Agence des projets de recherche avancée en 1958, qui est devenue plus tard la DARPA. Plus tard cette année-là, la National Aeronautics and Space Administration (NASA) a été formée en octobre 1958.

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Le 5 octobre 1902, l'entrepreneur américain Ray A. Kroc est né. Kroc est passé de modestes débuts et a fait de McDonald's le restaurant de restauration rapide le plus célèbre et le plus prospère au monde.

Maurice et Richard McDonald ont ouvert un restaurant barbecue appelé McDonald’s à San Bernardino, en Californie. Plus tard, ils ont décidé de changer le menu pour vendre des hamburgers, des chips, des tartes et des milkshakes. Ray Kroc était un vendeur de lait frappé qui a été impressionné par le restaurant, et il a acheté une franchise, ouvrant son premier McDonald's en 1955 à Des Plaines, Illinois.

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John Lennon est né à Liverpool, en Angleterre, ce jour-là en 1940. Lennon deviendra l'un des auteurs-compositeurs les plus influents de l'histoire de la musique après avoir cofondé les Beatles.

Après son arrivée à New York en 1971, le FBI a ouvert un dossier sur Lennon, le soupçonnant d'essayer d'influencer la jeunesse du pays avec une politique radicale. L'étendue de leur surveillance n'a été découverte que dans les années 1990.

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Le 10 octobre 2004, l'acteur Christopher Reeve est décédé à l'âge de 52 ans après avoir passé des années comme tétraplégique à la suite d'un accident dévastateur où il a été éjecté de son cheval.

Superman avait peut-être les muscles saillants et la force, mais Reeve a été payé une somme dérisoire pour son rôle par rapport à d'autres, et il est évident dans le générique d'ouverture que Marlin Brando et Gene Hackman reçoivent une facturation plus élevée. Reeve n'a gagné que 250 000 $ pour Superman: The Movie et pour avoir joué dans Superman II. D'un autre côté, Brando a fini par être payé 14 millions de dollars pour ses 10 minutes de temps d'antenne, et Gene Hackman a été payé 2 millions de dollars pour avoir joué le rôle de Lex Luthor.

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Le 11 octobre 1975, Chevy Chase a chanté le tout premier "Live from New York, it's Saturday Night!" et a lancé l'une des émissions de télévision les plus emblématiques de l'histoire américaine.

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Johnny Carson, l'animateur de "The Tonight Show", a demandé à NBC s'il arrêterait de diffuser des rediffusions de l'émission pendant le week-end parce qu'il voulait les garder pour les jours où il voulait sauter le travail pendant la semaine. Comme NBC se retrouverait avec un créneau horaire vide, ils ont demandé à Lorne Michaels, producteur, comédien, acteur et écrivain de proposer une idée pour une nouvelle émission. “Saturday Night Live” a fini par lancer la carrière de nombreux comédiens talentueux et a remporté 36 Emmys au cours de son histoire.

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Le 12 octobre 2007, Al Gore a remporté le prix Nobel pour son livre "Une vérité qui dérange".

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Lors de sa dernière année à Harvard, Gore était dans une classe enseignée par l'océanographe Roger Revelle, ce qui a accru l'intérêt de Gore pour l'environnement, en particulier dans le domaine du réchauffement climatique. Alors qu'il était membre du Sénat américain, Gore a publié son premier livre sur l'environnement, intitulé « Earth in the Balance », et en a écrit d'autres, dont « An Inconvenient Truth ». En 2007, Gore a remporté le prix Nobel de la paix pour ses travaux, partagés avec le Groupe d'experts intergouvernemental sur l'évolution du climat, pour leurs travaux sur le changement climatique.

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Le 21 octobre 1959, le musée Guggenheim, qui détient l'une des plus grandes collections d'œuvres d'art contemporaines au monde, a ouvert ses portes à New York.

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Frank Lloyd Wright, l'architecte acclamé, a été chargé de construire le Guggenheim en 1943. Wright n'aimait pas les environnements urbains, donc être invité à construire le musée a peut-être semblé un choix intéressant mais inattendu. Wright a créé plus de 700 croquis pour la conception du musée Guggenheim. Le bâtiment achevé était considéré comme une œuvre d'art avec sa rampe en spirale et son coquillage avec des pièces qui s'ouvraient les unes dans les autres.

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Le 22 octobre 1746, l'Université de Princeton a reçu sa charte en tant que l'une des neuf universités fondées avant la Révolution américaine.

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L'Université de Princeton a été fondée par les New Light Presbyterians pour former des ministres. Elle était considérée comme la capitale religieuse et éducative des Américains d'origine écossaise et irlandaise. Le séminaire théologique a été séparé du reste du collège en 1812. Lorsque l'école a été affrété par le New Jersey en 1746, c'était inhabituel car l'admission n'était pas limitée à une seule confession religieuse.

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Le 23 octobre 2001, Apple a annoncé l'un de ses nouveaux modèles, un lecteur de musique de poche pouvant contenir de nombreuses chansons au format MP3 et autres : l'iPod.

Et cela était considéré comme fantastique. Désormais, un appareil Apple qui n'offrait que 5 Go de stockage serait considéré comme un joli petit jouet – l'iPod Touch actuel permet jusqu'à 256 Go de stockage en fonction des mises à niveau. Mais à l'époque, pouvoir charger 1 000 chansons sur un lecteur portable offrant plus de stockage que de nombreux disques durs d'ordinateurs ordinaires était un exploit incroyable, surtout compte tenu de la rapidité avec laquelle vous pouviez charger un CD sur le lecteur. Au moment de l'introduction de l'iPod, d'autres lecteurs MP3 faisaient attendre cinq minutes pour n'extraire qu'un seul C

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Pourquoi le musée Guggenheim est-il emblématique ?

Guggenheim et Rebay ont beaucoup demandé à Wright, et il était prêt à relever la tâche. Son portfolio montrait qu'il pouvait concevoir en dehors des sentiers battus, et sa philosophie de l'architecture était tout aussi avant-gardiste. Il croyait qu'un bâtiment ne devrait pas être contraint par &ldquoconceptions ou styles historiques.&rdquo

Wright a articulé sa vision de ce qu'un musée devrait contenir, et il s'agissait de piliers ou de beaucoup de béton (bien qu'il s'agisse d'un matériau important pour Wright). Ses idées étaient plus abstraites que cela. &ldquoUn musée devrait avoir, avant tout, une atmosphère claire de lumière et une surface sympathique,», expliqua-t-il dans une lettre à Rebay en 1944. &ldquoUn musée devrait être un espace au sol étendu, expansif, bien proportionné de bas en haut, un grand calme et le souffle imprégnant tout l'endroit. Le tout vous déconcentrera complètement ou sera à peu près ce dont vous rêviez.


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L'histoire du parc d'attractions Knott&aposs Berry Farm

Janey Ellis |

Cette année marque le 100e anniversaire de Knott's Berry Farm et c'est le moment idéal pour réfléchir à l'histoire unique de la ferme. C'est une histoire incroyable de travail acharné et d'accidents heureux qui ont abouti au premier parc à thème des États-Unis.

En décembre 1920, la famille Knott a conduit sa Ford modèle T du centre de la Californie à Buena Park pour un nouveau départ avec le cousin de Walter Knott, Jim Preston, un cultivateur de baies expérimenté. Ensemble, ils ont loué des terres à William H. Coughran et Walter ont commencé à cultiver des baies.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Malgré un gel qui a tué la première récolte de Walter, il a persisté et, en 1923, a pu construire un stand en bordure de route sur Grand Avenue, vendant ses baies. Grâce à un travail acharné, la famille Knott a pu acheter son terrain en 1927 et construire une maison l'année suivante ainsi qu'un Berry Market permanent qui a remplacé le simple stand en bordure de route. À côté du marché, il y avait une pépinière pour vendre des plantes et même un petit salon de thé où la femme de Walter, Cordelia, vendait des sandwichs, des confitures et des tartes à base de baies de la ferme. Ils l'appelaient Knott's Berry Place.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

La Grande Dépression s'est emparée de l'Amérique en 1929, ce qui a fait chuter les prix des terres, et même si la famille Knott arrivait à peine à joindre les deux bouts, Walter a doublé ses efforts, achetant plus de terres pour agrandir sa ferme.

Au milieu de la Grande Dépression, Walter se faisait un nom avec ses baies, et en 1932, un homme du nom de George M. Darrow entendit parler d'une baie supérieure qui aurait été créée par un « M. Boysen. Darrow a pensé que Walter connaîtrait ce M. Boysen en raison de leur intérêt mutuel pour les baies, mais Walter a admis que non, mais a suggéré qu'ils recherchent Boysen dans l'annuaire téléphonique. Cela les a conduits à Rudolph Boysen à Anaheim. Boysen a admis avoir expérimenté avec des baies, mais les a laissés sur son ancienne propriété. Ensemble, les trois hommes ont trouvé le plant de baies oublié depuis longtemps de Boysen dans un fossé couvert de mauvaises herbes et sans baies. Boysen a déclaré que la plante était un croisement entre une framboise rouge, une mûre et une mûre de Logan. Après avoir obtenu l'autorisation des nouveaux propriétaires, Walter a ramené des boutures à Buena Park pour les planter et les cultiver. Un an plus tard, Walter avait une surprise bienvenue : des baies massives ! En 1934, Walter avait suffisamment de boutures et de baies pour introduire la nouvelle baie de Boysen en tant que produit commercial et Cordelia a incorporé la nouvelle baie dans le menu de son salon de thé. Les baies, les confitures et les tartes ont été un succès instantané! Cette nouvelle baie n'avait pas de nom et, alors que les amis de Walter lui ont dit qu'il devrait lui donner son nom, il a plutôt choisi d'honorer le créateur de la baie et l'a surnommée la baie de Boysen.

La famille Knott a traversé la Grande Dépression, mais en 1934, Cordelia a eu une idée qui allait tout changer. Un soir de juin, Cordelia a préparé huit dîners de poulet frit pour ses invités du salon de thé. Servi avec une salade avec de la rhubarbe, des biscuits, des légumes, une purée de pommes de terre avec de la sauce et une tarte aux baies sur la porcelaine de mariage de la famille, le dîner a coûté 65 cents. Walter a rappelé que le moment était «le tournant de notre vie économique». C'était vraiment le tournant qui allait transformer une ferme en parc à thème.

La nouvelle de ce délicieux poulet frit s'est répandue et les gens ont rapidement afflué vers la petite ferme et le salon de thé de Buena Park. La petite salle à manger abritait à l'origine 20, et en 1935, ils l'ont agrandie à 40, pour devoir l'agrandir à nouveau l'année suivante pour en accueillir 70.Le petit salon de thé de Cordelia était devenu un restaurant à part entière et quand ils se sont agrandis pour accueillir 350 personnes, ils ont pensé que les gens n'auraient plus à attendre, mais ils l'ont fait !

En 1939, pour tenter de donner quelque chose à faire aux personnes qui attendaient, Virginia, la fille de Walter et Cordelia, a mis en place une table à cartes avec de petits cadeaux à vendre. Au fur et à mesure que le restaurant grandissait, l'entreprise de Virginia s'agrandit, recevant sa propre boutique de cadeaux qui est toujours là aujourd'hui.

Il n'était pas rare que des invités affamés attendent plus de trois heures pour une table et bientôt un haut-parleur a été installé. Mais à part parcourir les offres de Virginia, qu'y avait-il à faire pendant la longue attente ? Walter se mit à proposer quelques idées. Il a commencé avec des boîtes à musique anciennes, puis il a construit un jardin de rocaille avec une cascade en utilisant la roche volcanique de la Vallée de la Mort. Il a construit une petite scène avec une meule historique et une roue hydraulique avec un panneau encourageant ceux qui attendaient à chanter "Down by the Old Mill Stream". À côté, il a ajouté une reconstitution de la cheminée de George Washington de Mount Vernon. La cascade, la scène de la meule et la cheminée se trouvent toujours à la ferme, située derrière le marché du Berry. Il a ensuite construit un petit volcan pour obstruer un tuyau qui était « conduit » par un petit diable faisant tourner une manivelle. Il a ajouté une ruche d'abeilles, du bois pétrifié, des roches fluorescentes qui brillaient sous la lumière noire – tout ce qu'il trouvait amusant, il pensait que d'autres le feraient aussi.

Photo gracieuseté de jericl Flickr

Inspiré par sa mère et son voyage en Californie dans un wagon couvert en 1868, Walter a décidé d'aller encore plus loin avec ses idées. Cette fois, il construirait une ville fantôme pour divertir les clients avides de volaille. En 1940, la construction a commencé sur ce qui allait devenir la rue Main. Walter était à la recherche de tout ce qui se passait dans le Far West, achetant des morceaux de vieux bâtiments, des poussettes, des outils, etc. Il les a utilisés pour construire un saloon, un bureau de shérif, un bureau d'analyse, un salon de coiffure et bien plus encore ! La pièce maîtresse était le Gold Trails Hotel, construit à partir de pièces d'un ancien hôtel de l'Arizona. Le Gold Trails Hotel n'était pas du tout un hôtel - à la place, il abritait un cyclorama d'un wagon couvert et racontait l'histoire des pionniers de l'ouest. Les gens qui attendaient leurs tables étaient tellement enchantés par Walter's Ghost Town que le système de haut-parleurs a dû être étendu pour les rappeler pour leur réservation de table.

Avant qu'il ne s'en rende compte, Walter's Ghost Town avait développé sa propre vie et les gens venaient juste pour visiter la ville fantôme. Walter a embauché une variété d'acteurs pour peupler sa fausse ville occidentale et amuser les invités. Avec l'aide créative du designer et peintre Paul Von Klieben, Ghost Town s'est agrandi avec des bâtiments colorés et amusants. Le sculpteur Claude Bell a également aidé à peupler Ghost Town avec des statues en béton, dont Handsome Brady et Whiskey Bill, ainsi que les charmantes danseuses Marilyn et Cecelia. Les deux paires sont devenues un lieu de prédilection pour tous ceux qui visitent et continuent de l'être aujourd'hui.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

En 1947, Walter a nommé son entreprise en expansion Knott's Berry Farm et, la même année, Pan for Gold est arrivé. Encore une attraction populaire aujourd'hui, les invités pouvaient prendre une casserole comme les mineurs en 1849 pour tamiser et rapporter de l'or véritable. Le Wagon Camp a rapidement suivi et est devenu un lieu de premier choix pour le divertissement gratuit des artistes country et occidentaux.

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Les années 1950 ont vu une expansion massive de Ghost Town avec l'ajout du Calico Saloon, du Ghost Town & Calico Railroad (le dernier chemin de fer à voie étroite en activité en Amérique) et de l'école. Alors que de nombreux bâtiments de Ghost Town ont été créés, l'école était une véritable école construite en 1879 et transférée à la ferme du Kansas. Le cimetière de Boot Hill a également été ajouté ainsi que le Bird Cage Theatre, dont la façade est une réplique de celle de Tombstone, en Arizona. En 1954, la Bird Cage a ouvert ses portes pour des représentations de vaudeville et de mélodrame où Steve Martin et Dean Jones ont fait leurs débuts. Et avant la fin de la décennie, la cabane hantée a été ajoutée au parc.

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Les choses ont vraiment bougé lorsque Wendell « Bud » Hurlbut est arrivé à la ferme. Hurlbut a conçu et construit des manèges et a été invité à devenir concessionnaire à la Ferme avec son carrousel historique Dentzel et, plus tard, un petit tour en voiture. L'amitié de Hurlbut avec Walter Knott a grandi et, avec beaucoup de confiance et une poignée de main, Hurlbut a construit deux attractions qui élèveraient la ferme vers de nouveaux sommets, le Calico Mine Ride et le Timber Mountain Log Ride. Hurlbut et une équipe incroyable ont créé le Calico Mine Ride avec de merveilleuses cavernes de beauté ainsi que des mineurs rugueux et dégringolés d'autrefois, qui a ouvert ses portes en novembre 1960. Le trajet était également le premier à comporter une file d'attente cachée, qui a est devenu un standard dans la conception de parcs à thème.

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Alors que Ghost Town continuait de s'étendre, Walter n'a jamais faibli dans sa passion pour les attractions basées sur l'histoire et l'éducation. Il a apporté l'énorme Western Trails Museum de Marion Speer, le musée des miniatures de la famille Mott, un musée de la boxe dans la grange du pugiliste Jim Jeffries, et bientôt il ajoutera un autre élément éducatif massif, une réplique exacte de l'Independence Hall. Hurlbut et d'autres de la ferme se sont rendus à Philadelphie pour photographier, mesurer et prendre de nombreuses notes sur chaque détail. Hurlbut a même pris un rasage de l'intérieur de la Liberty Bell afin que Walter puisse recréer la cloche jusque dans le matériau. Independence Hall a ouvert ses portes le 4 juillet 1966 en grande pompe et est encore aujourd'hui une source d'inspiration et d'éducation.

En 1967, la plus jeune fille de Walter et Cordelia, Marion, a commencé à aider son père dans les opérations de Ghost Town. Depuis 1941, les clients pouvaient entrer et sortir de la ville fantôme, se promener dans la région gratuitement, ne payant que s'ils souhaitaient monter ou acheter quelque chose. Pourtant, en 1968, il a été décidé de clôturer le parc et de facturer un droit d'entrée d'un dollar.

L'année suivante, Marion a annoncé que Knott's Berry Farm s'agrandirait, mais dépasserait l'idée d'une simple ville fantôme. Inspiré par l'époque du début de la Californie, le nouveau terrain à thème de Knott a été surnommé Fiesta Village. Alors que la planification de Fiesta Village était en cours, le 11 juillet 1969, le Calico Log Ride (maintenant Timber Mountain Log Ride) a ouvert ses portes, le premier tour de canal en bois aux États-Unis, avec la star du cow-boy John Wayne en tant que maître de cérémonie.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Avec le succès de Fiesta Village et du Calico Log Ride, Marion a cherché à ajouter une autre zone thématique pour agrandir le parc et a opté pour un thème gitan, en appelant la nouvelle zone Gypsy Camp. Gypsy Camp a ouvert ses portes le 28 mai 1971 et les invités ont exploré les grottes pour trouver un magasin de magie, une arcade, se faire fortune et écouter de la musique de musiciens vêtus de couleurs vives depuis une scène extérieure construite au-dessus des grottes. Le Wagon Camp en plein air de Ghost Town s'est avéré trop petit et rustique pour attirer de grands artistes, alors Marion a ajouté le John Wayne Theatre au Gypsy Camp. Le nouveau théâtre de 2 150 places offrait un magnifique lieu intérieur et a même accueilli la première du film de Wayne Big Jake le 19 juin 1971. Au fil des ans, d'innombrables artistes sont montés sur scène et des spectacles sur glace ont utilisé son , patinoire. Avec de plus grandes stars remplissant le nouveau John Wayne Theatre, le Wagon Camp est devenu le foyer d'un spectacle de cascades, qui continue de ravir les invités à ce jour.

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Octobre a toujours été une période creuse au parc, et en septembre 1973, les gens du marketing et du divertissement ont eu une idée qui allait changer Knott's pour toujours - un événement d'Halloween de trois nuits appelé Knott's Halloween Haunt. On a dit aux employés maquillés et costumés de monstres de courir dans la ville fantôme et d'effrayer les invités. La cabane hantée a été transformée en "labyrinthe des monstres". Le Calico Mine Ride et Log Ride ont également reçu un traitement épouvantable. Un succès instantané, l'événement est revenu l'année suivante et s'est vendu à guichets fermés chaque soir. Au cours de sa troisième année, l'événement a reçu le surnom de "Knott's Scary Farm". Depuis lors, Scary Farm, l'événement d'Halloween le plus ancien dans un parc à thème, s'est étendu pour englober l'ensemble du parc avec 1 000 monstres et plusieurs labyrinthes.

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Au milieu du succès de Scary Farm, la ferme a perdu sa matriarche, la femme responsable de la transformation d'une petite ferme de baies en une icône du sud de la Californie. Le 23 avril 1974, Cordelia est décédée à l'âge de 84 ans.

Entre le succès de Scary Farm et le deuil de Cordelia, Gypsy Camp pataugeait. À la fin de 1974, Marion a annoncé que Gypsy Camp serait réaménagé et transformé en une zone appelée Roaring 20's. Alors que les années 1920 ont peut-être d'abord semblé être un choix étrange, elles reflétaient la décision de Walter de construire une ville fantôme du vieil ouest. Marion l'a décrit : « Tout comme la ville fantôme de mon père était un mémorial pour ses parents, nous voulions que notre nouveau quartier soit un mémorial pour maman et papa. Après tout, les années folles étaient leur époque.

La zone Roaring 20s a ouvert ses portes le 6 juin 1975. Dans le cadre du nouveau thème, le John Wayne Theatre a été rebaptisé Good Time Theatre. La nouvelle zone a également été la première incursion de la ferme dans le monde des montagnes russes avec le Corkscrew, les premières montagnes russes modernes à 360 degrés au monde. Des attractions uniques telles que Knott's Bear-y Tales, la Sky Cabin et les Wacky Soap Box Racers suivraient. Avant la fin des années 1970, une deuxième montagne russe a été ajoutée, cette fois à Fiesta Village, avec Montezooma's Revenge.

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En 1981, après 61 ans de contrôle familial total, la famille Knott a embauché Terry Van Gorder, le premier membre extérieur à la famille à être président et chef de la direction, mais Marion et d'autres membres de la famille Knott sont restés impliqués. À la fin de l'année, la ferme a abandonné ses billets de transport avec coupons pour un trajet tout compris et un billet d'entrée. L'année a connu un autre moment marquant le 3 décembre lorsque, juste une semaine avant son 92e anniversaire, Walter est décédé.

Les années 80 verraient un autre ajout important à Farm, Snoopy et Peanuts Gang. Cependant, leur arrivée au parc remonte en fait à 1960, lorsque l'illustrateur Pete Winters a été chargé de créer une icône de personnage pour Knott's. Le résultat était un vieux prospecteur heureux avec une barbe blanche simplement appelé "The Old Timer" et il est apparu sur divers documents d'employés, carnets de billets, signalisation de parc, et plus encore. En 1973, la ferme a décidé de transformer "The Old Timer" en un personnage de promenade et l'a nommé Whittles. Maladroitement proportionné, Whittles était simplement mieux adapté à la page et non à un personnage réel. "Ça n'a pas marché... Il a fait peur aux enfants", a noté Russell Knott. Ce faux pas n'a pas mis fin au désir de la ferme d'avoir une icône et un personnage de passage et ils ont décidé qu'ils devraient peut-être essayer de sécuriser une icône déjà établie, bien connue et adaptée aux familles.

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Ron Mizaker a été chargé de trouver et de sécuriser la nouvelle icône et, comme les personnages de la bande dessinée Peanuts de Charles M. Schulz faisaient déjà un travail de parrainage, Mizaker savait qu'il y avait une possibilité pour eux de rejoindre la ferme. Mizaker a rencontré Schulz à Santa Rosa, et à mi-chemin de leur réunion, Schulz a déclaré qu'il devait se rendre à la répétition de patinage sur glace de sa fille à la patinoire appartenant à la famille Schulz, qui se trouvait juste de l'autre côté de la rue. Schulz a invité Mizaker à le rejoindre. Au cours de la répétition, Mizaker a informé Schulz de la patinoire sur la scène du Good Time Theatre et a déclaré: "Ce ne serait pas génial si nous faisions un spectacle sur glace avec Snoopy?" Schulz a aimé l'idée et a demandé "Est-ce que ma fille pourrait être Snoopy?" Mizaker a déclaré qu'ils pouvaient résoudre ce problème et que cela est devenu la base de l'accord pour que le gang des Peanuts rejoigne la ferme. Bientôt, Snoopy et sa compagnie sont arrivés pour rencontrer des invités et, en 1983, Knott's a décidé de donner aux Peanuts leur propre espace à la ferme, agrandissant à nouveau Knott's, pour créer le Camp Snoopy.

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Alors que les années 80 continuaient, deux nouvelles attractions sont arrivées. La famille Bear-y Tales a quitté la région des années folles et a été remplacée par des créatures préhistoriques dans le royaume des dinosaures en 1987. L'année suivante, les histoires d'une créature velue ont amené les gens à explorer et à se tremper sur Bigfoot Rapids.

Les sensations fortes, le mystère et le plaisir se sont poursuivis dans les années 90. Les montagnes russes Boomerang ont remplacé le Corkscrew l'unique, l'intrigant Mystery Lodge est arrivé et Jaguar a rugi dans Fiesta Village. Les Roaring 20s ont fait l'objet d'une refonte et ont été rebaptisées Boardwalk, rendant hommage au soleil, au sable et à la mer des plages du sud de la Californie. Les invités se sont affrontés dans une autre nouvelle montagne russe, Windjammer, qui a remplacé les Wacky Soap Box Racers en 1997. La même année a également marqué le plus grand changement à la ferme depuis que Cordelia a servi son poulet frit - après 78 ans de propriété familiale, Walter et Cordelia's les enfants et petits-enfants ont vendu Berry Farm de Knott à Cedar Fair.

Pourtant, avant le millénaire, des attractions plus excitantes seraient ajoutées à l'horizon grandissant de la ferme, avec les montagnes russes Supreme Scream, GhostRider et Pony Express, les premières « montagnes russes à vélo » aux États-Unis.

En 2000, pour honorer le créateur des bien-aimés Peanuts, le Good Time Theatre a été rebaptisé Charles M. Schulz Theatre et continue de présenter des spectacles incroyablement amusants, comprenant souvent des membres du gang Peanuts.

Les montagnes russes ont continué à faire leur chemin dans la ferme, Windjammer étant remplacé par Xcelerator et les ajouts de Silver Bullet et Sierra Sidewinder. Mais les vieux favoris n'ont pas été oubliés. En 2013, le Log Ride de Ghost Town a été rénové et rouvert avec de nouveaux personnages animatroniques. Le Calico Mine Ride a emboîté le pas en 2014 et le Camp Snoopy a reçu de nombreux nouveaux ajouts adaptés aux familles.

Vacant depuis 2004, l'espace qui abritait autrefois Knott's Bear-y Tales et Kingdom of the Dinosaurs a accueilli une nouvelle attraction interactive, Voyage to the Iron Reef, en 2015. L'année suivante, un autre ajout incroyablement unique et interactif est arrivé à la ferme, Ghost Ville vivante ! À l'origine, l'histoire axée sur les personnages et ses nombreux acteurs devait durer un été pour célébrer le 75e anniversaire de Ghost Town, mais il en a résulté une merveilleuse tradition annuelle. Pour la première fois depuis leur construction, vous pouviez entrer dans les charmants regards que Walter avait développés pour divertir ceux qui attendaient leurs tables au restaurant Mrs. Knott's Chicken Dinner et participer à votre propre histoire du Far West avec les différents citoyens de Ville morte. Ville fantôme vivante ! est de retour chaque été et continue de charmer les clients jeunes et moins jeunes, devenant une attraction délicieuse en soi.

Plus récemment, de nouvelles sensations sont arrivées avec Sol Spin et Hang Time, les premières montagnes russes de plongée en Californie. Ghost Town a également continué à recevoir des mises à jour et des remaniements lorsque Big Foot Rapids a été transformé en Calico River Rapids, reliant son histoire au reste de Ghost Town. Et cet été, la famille Bear-y revient à la ferme avec Knott's Bear-y Tales: Return to the Fair.

Il est étonnant qu'en l'espace de cent ans, une ferme de baies louée se soit transformée en l'un des parcs à thème les plus populaires des États-Unis, recevant des prix et gagnant le cœur de tout le monde. En raison de son âge, Knott's Berry Farm a une merveilleuse sensation générationnelle, où les gens peuvent marcher et profiter des mêmes sites que leurs parents et même leurs grands-parents, tout en continuant à découvrir des choses nouvelles et passionnantes. Il y en a certainement pour tous les goûts et qui sait ce qui nous attend pour les 100 prochaines années à Knott's Berry Farm ? Joyeux anniversaire, Knott's !

Pour en savoir plus sur l'incroyable histoire de Knott's Berry Farm, assurez-vous de lire Knott's Preserved!

Ambassadeur de l'anniversaire de Knott

Janey Ellis est l'auteur du blog Atomic Redhead. Elle y partage une histoire intéressante, des endroits à explorer dans le sud de la Californie et au-delà, ainsi que son point de vue sur la mode et la maison vintage. Elle est très reconnaissante d'avoir également la merveilleuse opportunité de partager sa passion pour les parcs d'attractions et l'histoire sur le blog Knott's Berry.


Aujourd'hui dans l'histoire : né le 21 octobre

Katsushika Hokusai, graveur japonais.

Samuel Taylor Coleridge, poète anglais ("The Rime of the Ancient Mariner", "Kubla Khan").

Alfred Nobel, inventeur de la dynamite et fondateur des prix Nobel.

Dizzy Gillespie, trompettiste de jazz.

Ursula K. Le Guin, écrivain de science-fiction (La main gauche des ténèbres)

Carl Brewer, joueur de hockey canadien a remporté trois coupes Stanley (1962-64) en tant que membre des Maple Leafs de Toronto.

Ronald McNair, astronaute est mort lors de la navette spatiale Challenger a explosé peu de temps après son lancement le 2 janvier 1986.

Patti Davis, actrice, auteur fille de l'ancien président américain. Ronald Reagan.

Carrie Fisher, actrice, auteur, scénariste mieux connue sous le nom de Prince Leia dans l'original Guerres des étoiles trilogie et le roman à succès Postcards from the Edge fille du chanteur Eddie Fisher et de l'actrice Debbie Reynolds.

Prince Salman bin Hamad bin Isa Al Khalifa, prince héritier de Bahreïn actuellement (2013) premier vice-premier ministre et commandant suprême adjoint, il est l'héritier présomptif du royaume de Bahreïn.


Contenu

Les premières années et Hilla Rebay Modifier

Solomon R. Guggenheim, membre d'une riche famille de mineurs, collectionne les œuvres des maîtres anciens depuis les années 1890. En 1926, il rencontre l'artiste Hilla von Rebay [7] qui lui fait découvrir l'art d'avant-garde européen, en particulier l'art abstrait qu'elle considère comme spirituel et utopique (art non objectif). [7] Guggenheim a complètement changé sa stratégie de collection, se tournant vers le travail de Wassily Kandinsky, entre autres. Il a commencé à exposer sa collection au public dans son appartement du Plaza Hotel à New York. [7] [8] Comme la collection a grandi, il a établi la Fondation Solomon R. Guggenheim, en 1937, pour favoriser l'appréciation de l'art moderne. [8]

Le Musée de la Peinture Non-Objective Modifier

Le premier lieu d'exposition d'art de la fondation, le « Museum of Non-Objective Painting », a ouvert ses portes en 1939 sous la direction de Rebay, dans le centre de Manhattan. [9] Sous la direction de Rebay, Guggenheim a cherché à inclure dans la collection les exemples les plus importants d'art non objectif disponibles à l'époque par les premiers modernistes tels que Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger , Amedeo Modigliani et Pablo Picasso. [7] [8] [10]

Au début des années 1940, la fondation avait accumulé une si grande collection de peintures d'avant-garde que le besoin d'un bâtiment de musée permanent était devenu évident.[11] En 1943, Rebay et Guggenheim ont écrit une lettre à Frank Lloyd Wright lui demandant de concevoir une structure pour abriter et exposer la collection. [12] Wright a accepté l'opportunité d'expérimenter son style organique dans un cadre urbain. Il lui a fallu 15 ans, 700 croquis et six séries de dessins d'exécution pour créer le musée. [13]

En 1948, la collection s'étoffe considérablement grâce à l'achat de la succession du marchand d'art Karl Nierendorf de quelque 730 objets, notamment des peintures expressionnistes allemandes. [10] À cette époque, la collection de la fondation comprenait un large éventail d'œuvres expressionnistes et surréalistes, y compris des peintures de Paul Klee, Oskar Kokoschka et Joan Miró. [10] [14] Après la mort de Guggenheim en 1949, les membres de la famille Guggenheim qui ont siégé au conseil d'administration de la fondation ont des différends personnels et philosophiques avec Rebay et en 1952, elle démissionne de la direction du musée. [15] Néanmoins, elle a laissé une partie de sa collection personnelle à la fondation dans son testament, y compris des œuvres de Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian et Kurt Schwitters. [14] Le musée a été rebaptisé Solomon R. Guggenheim Museum en 1952. [15]

Conception Modifier

Rebay a conçu l'espace comme un "temple de l'esprit" qui faciliterait une nouvelle façon de regarder les pièces modernes de la collection. Elle a écrit à Wright que « chacun de ces grands chefs-d'œuvre devrait être organisé dans l'espace, et vous seul… testeriez les possibilités de le faire… Je veux un temple de l'esprit, un monument ! [16] [17] Le critique Paul Goldberger a écrit plus tard qu'avant le bâtiment moderniste de Wright, "il n'y avait que deux modèles communs pour la conception de musée : le Palais des Beaux-arts et le Pavillon de style international." [18] Goldberger pensait que le bâtiment était un catalyseur de changement, ce qui rendait "socialement et culturellement acceptable pour un architecte la conception d'un musée hautement expressif et intensément personnel. En ce sens, presque tous les musées de notre temps sont un enfant du Guggenheim." [18]

De 1943 au début de 1944, Wright a produit quatre croquis différents pour la conception initiale. Alors que l'un des plans (schéma C) avait une forme hexagonale et des étages de niveau pour les galeries, tous les autres avaient des schémas circulaires et utilisaient une rampe continuant autour du bâtiment. Il avait expérimenté la conception de la rampe en 1948 à la boutique de cadeaux V. C. Morris à San Francisco et sur la maison qu'il a achevée pour son fils en 1952, la David and Gladys Wright House en Arizona. [19] Le concept original de Wright a été appelé une "ziggourat" inversée, parce qu'il ressemblait aux marches abruptes des ziggourats construites dans l'ancienne Mésopotamie. [20] Sa conception a renoncé à l'approche conventionnelle de la disposition du musée, dans laquelle les visiteurs sont conduits à travers une série de pièces interconnectées et obligés de revenir sur leurs pas en sortant. [21] Le plan de Wright était que les invités du musée montent au sommet du bâtiment en ascenseur, descendent à un rythme tranquille le long de la pente douce de la rampe continue et considèrent l'atrium du bâtiment comme la dernière œuvre d'art . La rotonde ouverte offrait aux spectateurs la possibilité unique de voir plusieurs travées de travail à différents niveaux simultanément et même d'interagir avec les invités à d'autres niveaux. [22]

Dans le même temps, avant de s'installer sur le site du musée à l'angle de la 89th Street et de la section Museum Mile de la Cinquième Avenue, surplombant Central Park, Wright, Rebay et Guggenheim considéraient de nombreux endroits à Manhattan, ainsi que dans la section Riverdale du Bronx, surplombant la rivière Hudson. [23] Guggenheim a estimé que la proximité du site avec Central Park était importante, le parc offrait un soulagement du bruit, de la congestion et du béton de la ville. [20] La nature a aussi inspiré le musée. [23] Le bâtiment incarne les tentatives de Wright "pour rendre la plasticité inhérente des formes organiques dans l'architecture". [21] Le Guggenheim devait être le seul musée conçu par Wright. L'emplacement de la ville obligeait Wright à concevoir le bâtiment sous une forme verticale plutôt qu'horizontale, très différente de ses travaux ruraux antérieurs. [20] [24]

La conception en spirale rappelait une coquille de nautile, avec des espaces continus s'écoulant librement les uns dans les autres. [25] Même s'il embrassait la nature, le design de Wright exprime aussi son point de vue sur la géométrie rigide de l'architecture moderniste. [25] Wright a attribué une signification symbolique aux formes du bâtiment. Il a expliqué, "ces formes géométriques suggèrent certaines idées, humeurs, sentiments humains - comme par exemple : le cercle, l'infini le triangle, l'unité structurelle la spirale, le progrès organique le carré, l'intégrité." [26] Les formes se font écho partout : des colonnes ovales, par exemple, reprennent la géométrie de la fontaine. La circularité est le leitmotiv, de la rotonde au design marqueté des sols en terrazzo. [23] Plusieurs professeurs d'architecture ont émis l'hypothèse que le double escalier en colimaçon conçu par Giuseppe Momo en 1932 aux Musées du Vatican était une inspiration pour la rampe et l'atrium de Wright. [27] [28] [29] Jaroslav Josef Polívka a aidé Wright avec la conception structurelle et a réussi à concevoir la rampe de la galerie sans colonnes de périmètre. [30]

La surface du Guggenheim a été faite de béton pour réduire le coût, inférieur à la finition en pierre que Wright avait voulue. [31] Wright a proposé un extérieur de couleur rouge, qui n'a jamais été réalisé. [32] La petite rotonde (ou « Monitor building », comme l'appelait Wright) à côté de la grande rotonde était destinée à abriter des appartements pour Rebay et Guggenheim, mais est plutôt devenue des bureaux et un espace de stockage. [33] En 1965, le deuxième étage du bâtiment Monitor a été rénové pour exposer la collection permanente croissante du musée, et avec la restauration du musée en 1990-1992, il a été entièrement transformé en espace d'exposition et baptisé le bâtiment Thannhauser, en l'honneur de l'un des legs les plus importants au musée. [34] Le plan original de Wright pour une tour adjacente, des studios d'artistes et des appartements n'a pas été réalisé, en grande partie pour des raisons financières, jusqu'à la rénovation et l'agrandissement. [22] [35] Aussi dans la construction originale, la lucarne principale de la galerie avait été couverte, ce qui a compromis les effets d'éclairage soigneusement articulés de Wright. Cela a changé en 1992 lorsque le puits de lumière a été restauré dans sa conception d'origine. [31]

Années Sweeney et achèvement de la construction Modifier

En 1953, les critères de collecte de la fondation se sont élargis sous la direction de son nouveau directeur, James Johnson Sweeney. Sweeney a rejeté le rejet par Rebay de la peinture et de la sculpture "objectives", et il a rapidement acquis l'œuvre de Constantin Brâncuși Adam et Eve (1921), suivi des œuvres d'autres sculpteurs modernistes, dont Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti et David Smith. [10] Sweeney a dépassé le 20e siècle pour acquérir l'œuvre de Paul Cézanne Homme aux bras croisés (vers 1899). [10] La même année, la fondation a également reçu un don de 28 œuvres importantes de la succession de Katherine S. Dreier, fondatrice de la première collection américaine à s'appeler musée d'art moderne, la Société Anonyme. Dreier avait été un collègue de Rebay. Les travaux inclus Petite fille française (1914-18) de Brâncuși, une nature morte sans titre (1916) de Juan Gris, une sculpture en bronze (1919) d'Alexander Archipenko et trois collages (1919-1921) de l'Allemand Hanovrien dadaïste Schwitters. Il comprenait également des œuvres de Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky et Mondrian. [14] Entre autres, Sweeney a également acquis les œuvres d'Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning et Jackson Pollock. [36]

Sweeney a supervisé les six dernières années de la construction du bâtiment du musée, au cours desquelles il a eu une relation antagoniste avec Frank Lloyd Wright, en particulier en ce qui concerne les problèmes d'éclairage du bâtiment. [37] [38] Le bâtiment cylindrique distinctif s'est avéré être le dernier travail important de Wright, puisque l'architecte est mort six mois avant son ouverture. [39] De la rue, le bâtiment ressemble à un ruban blanc enroulé en une pile cylindrique, plus large en haut qu'en bas, affichant presque toutes les surfaces courbes. Son apparence contraste fortement avec les bâtiments typiquement rectangulaires de Manhattan qui l'entourent, un fait apprécié par Wright, qui a affirmé que son musée ferait ressembler le Metropolitan Museum of Art à proximité "à une grange protestante". [39] À l'intérieur, la galerie d'observation forme une rampe en spirale hélicoïdale qui monte doucement du niveau du sol à la lucarne au sommet. [39]

Critique et ouverture du bâtiment Modifier

Même avant son ouverture, le design a polarisé les critiques d'architecture. [39] [40] Certains croyaient que le bâtiment éclipserait les œuvres d'art du musée. [41] [42] "Au contraire", a écrit l'architecte, la conception fait "du bâtiment et de la peinture une belle symphonie ininterrompue telle qu'elle n'a jamais existé auparavant dans le monde de l'art." [41] D'autres critiques et de nombreux artistes ont estimé qu'il était difficile d'accrocher correctement des peintures dans les niches d'exposition concaves, peu profondes et sans fenêtre qui entourent la spirale centrale. [39] Avant l'ouverture du musée, vingt et un artistes ont signé une lettre pour protester contre l'exposition de leur travail dans un tel espace. [39] L'historien Lewis Mumford a résumé l'opprobre :

Wright n'a alloué aux peintures et sculptures exposées que l'espace qui n'empièterait pas sur sa composition abstraite. . [Il] a créé une coquille dont la forme n'a aucun rapport avec sa fonction et n'a offert aucune possibilité de s'écarter à l'avenir de ses idées préconçues rigides. [La promenade] a, pour un musée, un plafond bas – neuf pieds huit pouces [295 cm] [taille limite de la peinture. Le mur] était incliné vers l'extérieur, suivant l'inclinaison vers l'extérieur du mur extérieur, et les peintures n'étaient pas censées être accrochées verticalement ou montrées dans leur vrai plan, mais devaient être inclinées contre lui. . [Un visiteur] ne peut pas non plus échapper à la lumière qui brille dans ses yeux par les fentes étroites du mur. [43]

Le 21 octobre 1959, dix ans après la mort de Solomon Guggenheim et six mois après la mort de Frank Lloyd Wright, le Musée ouvrait pour la première fois ses portes aux grandes foules. [44] [11] Le bâtiment est devenu largement loué [45] [46] [47] et a inspiré beaucoup d'autres architectes. [20]

Années Messer Modifier

Thomas M. Messer a succédé à Sweeney en tant que directeur du musée (mais pas de la fondation) en 1961 et y est resté 27 ans, le plus long mandat de tous les directeurs des principales institutions artistiques de la ville. [48] ​​Lorsque Messer a pris le relais, la capacité du musée à présenter de l'art était encore incertaine en raison des défis présentés par la galerie à rampe en spirale continue qui est à la fois inclinée et a des murs incurvés non verticaux. [49] Il est difficile d'accrocher correctement les peintures dans les niches d'exposition peu profondes et sans fenêtre qui entourent la spirale centrale : les toiles doivent être montées surélevées de la surface du mur. Les tableaux accrochés de biais apparaîtraient « comme sur le chevalet de l'artiste ». Il y a un espace limité dans les niches pour la sculpture. [39]

Presque immédiatement, en 1962, Messer prend le risque d'organiser une grande exposition qui combine les peintures du Guggenheim avec des sculptures prêtées par la collection Hirshhorn. [49] La sculpture tridimensionnelle, en particulier, posait « le problème d'installer un tel spectacle dans un musée si proche de la géographie circulaire de l'enfer », où tout objet vertical apparaît penché dans une « embardée ivre » parce que le la pente du sol et la courbure des murs pourraient se combiner pour produire des illusions d'optique fâcheuses. [50] Il s'est avéré que la combinaison pouvait bien fonctionner dans l'espace du Guggenheim, mais, Messer a rappelé qu'à l'époque, "J'avais peur. Je sentais à moitié que ce serait ma dernière exposition." [49] Messer a eu la prévoyance de se préparer en organisant une plus petite exposition de sculptures l'année précédente, dans laquelle il a découvert comment compenser la géométrie étrange de l'espace en construisant des plinthes spéciales à un angle particulier, de sorte que les pièces n'étaient pas encore à une vraie verticale. semblait l'être. [50] Dans l'exposition de sculpture précédente, cette astuce s'est avérée impossible pour une pièce, un mobile d'Alexander Calder dont le fil était inévitablement suspendu à une vraie verticale d'aplomb, « suggérant une hallucination » dans le contexte désorientant du sol incliné. [50]

L'année suivante, Messer a acquis une collection privée du marchand d'art Justin K. Thannhauser pour la collection permanente du musée. [51] Ces 73 œuvres comprennent des chefs-d'œuvre impressionnistes, postimpressionnistes et français modernes, y compris des œuvres importantes de Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh et 32 ​​œuvres de Pablo Picasso. [14] [52] "Works and Process" est une série de performances au Guggenheim commencée en 1984. [53] La première saison consistait en Philip Glass avec Christopher Keene sur Akhenaton et Steve Reich et Michael Tilson Thomas sur La musique du désert.

Krens et expansion Modifier

Thomas Krens, directeur de la fondation de 1988 à 2008, a mené une expansion rapide des collections du musée. [54] En 1991, il a élargi ses possessions en acquérant la Collection Panza. Assemblée par le comte Giuseppe di Biumo et son épouse Giovanna, la collection Panza comprend des exemples de sculptures minimalistes de Carl Andre, Dan Flavin et Donald Judd, et des peintures minimalistes de Robert Mangold, Brice Marden et Robert Ryman, ainsi qu'un éventail de , art conceptuel et perceptuel de Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner et d'autres, notamment des exemples américains des années 1960 et 1970. [14] [55] En 1992, la Fondation Robert Mapplethorpe a offert 200 de ses meilleures photographies à la fondation. Les œuvres couvrent toute sa production, de ses premiers collages, Polaroids, portraits de célébrités, autoportraits, nus masculins et féminins, fleurs et statues. Il comportait également des constructions multimédias et comprenait son célèbre 1998 Autoportrait. L'acquisition a lancé le programme d'exposition de photographies de la fondation. [14]

Toujours en 1992, l'exposition et d'autres espaces du bâtiment du musée de New York ont ​​été agrandis par l'ajout d'une tour rectangulaire adjacente qui se dresse derrière et plus haut que la spirale d'origine, et une rénovation du bâtiment d'origine. [35] La nouvelle tour a été conçue par le cabinet d'architectes Gwathmey Siegel & Associates Architects, [56] qui a analysé les croquis originaux de Wright lorsqu'ils ont conçu la tour en calcaire de 10 étages, qui a remplacé une structure beaucoup plus petite. Il dispose de quatre galeries d'exposition supplémentaires avec des murs plats qui sont "plus appropriés pour la présentation de l'art". [22] [35] Dans la construction originale du bâtiment, la lucarne principale de la galerie avait été couverte, ce qui a compromis les effets d'éclairage soigneusement articulés de Wright. Cela a changé en 1992 lorsque le puits de lumière a été restauré dans sa conception d'origine. [31]

Pour financer ces mouvements, de manière controversée, la fondation a vendu des œuvres de Kandinsky, Chagall et Modigliani pour lever 47 millions de dollars, suscitant de nombreuses critiques pour les maîtres du commerce pour les retardataires "à la mode". Dans Le New York Times, le critique Michael Kimmelman a écrit que les ventes "ont étendu les règles acceptées de cession plus que de nombreuses institutions américaines n'étaient disposées à le faire". [31] [57] Krens a défendu l'action comme étant conforme aux principes du musée, y compris l'élargissement de sa collection internationale et la construction de sa "collection d'après-guerre à la force de nos avoirs d'avant-guerre" [55] et a souligné que de telles ventes sont un pratique par les musées. [57] En même temps, il s'est déplacé pour étendre la présence internationale de la fondation en ouvrant des musées à l'étranger. [58] Krens a été aussi critiqué pour son style pragmatique et son populisme et sa commercialisation perçus. [59] [60] Un écrivain a commenté, "Krens a été à la fois loué et vilipendé pour avoir transformé ce qui était autrefois une petite institution de New York en une marque mondiale, créant la première institution artistique vraiment multinationale. . Krens a transformé le Guggenheim en l'un des la marque la plus connue dans le domaine des arts." [61]

Sous Krens, le musée a monté certaines de ses expositions les plus populaires : « L'Afrique : l'art d'un continent » en 1996 « La Chine : 5 000 ans » en 1998, « Le Brésil : le corps et l'âme » en 2001 et « L'empire aztèque » en 2004 [62] Il a montré des expositions inhabituelles à l'occasion, par exemple des installations d'art commerciales de motos. Le nouveau critère's Hilton Kramer a condamné "L'art de la moto" [59] [63] Une rétrospective de Frank Lloyd Wright en 2009 a présenté l'architecte à l'occasion du 50e anniversaire de l'ouverture du bâtiment et a été l'exposition la plus populaire du musée depuis qu'il a commencé à garder une telle fréquentation dossiers en 1992. [64]

En 2001, le musée a ouvert le Centre Sackler pour l'éducation artistique. L'installation de 8 200 pieds carrés (760 m 2 ) propose des cours et des conférences sur les arts visuels et du spectacle et des opportunités d'interagir avec les collections et les expositions spéciales du musée à travers ses laboratoires, ses espaces d'exposition, ses salles de conférence et son théâtre Peter B. Lewis de 266 places. [65] [66] Il est situé au niveau inférieur du musée, au-dessous de la grande rotonde et était un cadeau de la famille Mortimer D. Sackler. [67] Toujours en 2001, la fondation a reçu en don la grande collection de la Fondation Bohen, qui, pendant deux décennies, a commandé de nouvelles œuvres d'art en mettant l'accent sur le film, la vidéo, la photographie et les nouveaux médias. Les artistes inclus dans la collection sont Pierre Huyghe et Sophie Calle. [7]

Restauration extérieure Modifier

Entre septembre 2005 et juillet 2008, le musée Guggenheim a subi une importante restauration extérieure pour réparer les fissures et [68] moderniser les systèmes et les détails extérieurs. [69] Dans la première phase de ce projet, une équipe d'architectes de restauration, d'ingénieurs en structure et de conservateurs architecturaux a travaillé ensemble pour créer une évaluation complète de l'état du bâtiment qui a déterminé que la structure était fondamentalement saine. Cette évaluation de l'état initial comprenait :

  • l'élimination de la peinture de la surface d'origine, révélant des centaines de fissures causées au fil des ans, principalement par les fluctuations saisonnières de la température [68]
  • suivi détaillé du mouvement des fissures sélectionnées sur 17 mois
  • technologie d'écho d'impact, dans laquelle des ondes sonores sont envoyées dans le béton et le rebond est mesuré pour localiser les vides dans les murs
  • relevés au laser des surfaces extérieures et intérieures, considérés comme le plus grand modèle laser jamais compilé
  • carottage pour recueillir des échantillons du béton d'origine et d'autres matériaux de construction et
  • test des matériaux de réparation potentiels. [70]

Une grande partie de l'intérieur du bâtiment a été restaurée lors de la rénovation et de l'ajout de 1992 par Gwathmey Siegel and Associates Architects. La restauration de 2005-2008 portait principalement sur l'extérieur du bâtiment d'origine et l'infrastructure. Cela comprenait les lucarnes, les fenêtres, les portes, les façades en béton et gunite et le trottoir extérieur, ainsi que le contrôle climatique.L'objectif était de préserver autant que possible le tissu historique important du musée, tout en effectuant les réparations nécessaires et en créant un environnement approprié pour l'utilisation continue du bâtiment en tant que musée. [71]

Le 22 septembre 2008, le Guggenheim a célébré l'achèvement d'un projet de restauration de trois ans. Le maire de New York, Michael Bloomberg, a officié lors de la célébration qui a culminé avec la première de l'hommage de l'artiste Jenny Holzer Pour le Guggenheim, [72] un travail commandé en l'honneur de Peter B. Lewis, qui était un bienfaiteur important dans le projet de restauration de musée. Parmi les autres partisans de la restauration de 29 millions de dollars figuraient le conseil d'administration de la Fondation Solomon R. Guggenheim et le département des affaires culturelles de la ville. Un soutien supplémentaire a été fourni par l'État de New York et MAPEI Corporation. [73]

Dernières années Modifier

En 2005, Krens a remporté un différend avec le milliardaire philanthrope Peter B. Lewis, président du conseil d'administration de la fondation et le plus grand contributeur à la fondation dans son histoire. Lewis a démissionné du conseil d'administration, exprimant son opposition aux plans de Krens pour une nouvelle expansion mondiale des musées Guggenheim. [74] Toujours en 2005, Lisa Dennison, une conservatrice de longue date de Guggenheim, a été nommée directrice du Solomon R. Guggenheim Museum à New York. Dennison a démissionné en juillet 2007, pour travailler à la maison de vente aux enchères Sotheby's. [75] Les tensions entre Krens et le Conseil ont continué et en février de 2008 Krens a démissionné en tant que Directeur de la fondation, bien qu'il reste un conseiller pour les affaires internationales. [76]

Richard Armstrong est devenu le cinquième directeur du musée le 4 novembre 2008. Il avait été directeur du Carnegie Museum of Art à Pittsburgh, Pennsylvanie pendant 12 ans, où il avait également été conservateur en chef et conservateur de l'art contemporain. [77] Le conservateur en chef et directeur adjoint du musée est Nancy Spector. [78]

En plus de ses collections permanentes, qui continuent de croître [7], la fondation administre des expositions de prêt et co-organise des expositions avec d'autres musées pour favoriser la sensibilisation du public. [79] En 2013, près de 1,2 million de personnes ont visité le musée et son exposition James Turrell était la plus populaire de New York en termes de fréquentation quotidienne. [6]

En 2019, Chaédria LaBouvier est devenue la première conservatrice noire à créer une exposition personnelle et la première personne noire à écrire un texte publié par le musée. [80] [81] Elle a accusé le musée de racisme après avoir refusé de la laisser contribuer au guide audio de son exposition et lui aurait refusé des ressources et l'aurait exclue d'un panel organisé sur le spectacle. Moins d'un mois après que LaBouvier a fait ces critiques, le musée a embauché sa première conservatrice noire à temps plein, Ashley James. [82]

Le 14 août 1990, le musée et son intérieur ont été désignés séparément comme monuments de la ville de New York. [4] [5] Le musée a été ajouté au registre national des lieux historiques le 19 mai 2005, [2] et a été enregistré comme monument historique national le 6 octobre 2008. [3] En juillet 2019, le Guggenheim a été parmi huit biens de Wright inscrits sur la Liste du patrimoine mondial sous le titre « L'architecture du 20e siècle de Frank Lloyd Wright ». [83] [84] [85]


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